「尝试接近巴赫，就像进入一座阴暗的、中世纪的大教堂。起初，除了黑暗中的四壁什么也看不清楚，里面冰冷、空寂而昏暗。然而，只需要过一会儿，你会注意到光从彩绘的窗户透入，轮廓变得清晰，你终于意识到这座巨大的教堂中充满了光、热情和美。」
书籍名称：《西方音乐简史》
基础信息：王嘉陵 / 2009 / 四川文艺出版社
豆瓣评分：6.2/10
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读完时间：2019-10-23 20:36:05
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阅读笔记：
音乐不像绘画和雕塑，人人得以眼见，它必须通过表演才能被聆听和感受。
没有人知道莫扎特亲耳聆听到的莫扎特的交响曲是怎样一种声音。我们相信我们知道它是怎样一种声音，可是我们不能确信无疑。对于远古时代的音乐更是如此。
西语中“音乐”一词源于希腊语Mousa，意即缪斯。最初只有三位缪斯存在。有两位缪斯象征学习和记忆，这是每一种艺术都需要的。第三位缪斯叫歌。
节奏是音乐的本质要素，因为音乐是一种发生于时间之中的艺术，而不像绘画和雕塑呈现于空间之中。
拜占庭音乐以“合奏”的方式演出，每个人唱的和管风琴奏的是相同的音调。
拜占庭的娱乐观念。管风琴，在这里被当做“世俗的”乐器，而不是宗教音乐的乐器；只有当它引进西方世界后，才成为宗教的乐器。
第二章中世纪和文艺复兴时期
高呼“哈利路亚”（意即“赞美神”）
许多游吟诗人的歌曲至今保存完好。乐谱记录了曲调，可是没有节拍。我们知道它们发出什么样的声音，却不知道它们唱出来的速度。
我们大多数人接受的是巴赫和格什温（1898-1937）通常作为语言的调性系统的教育。对我们来讲，任何不是在这种熟悉的语言中创作的音乐，似乎都是怪诞的、反常的、原始的，甚至是令人厌倦的。这种情况下，错的是我们，而不是音乐。
从一开始，小提琴就把外形美和构造形式的精巧结合得很好，堪称物理学定律的典范。它是世界上少数不可被改进的器物之一。
鲁特琴，琴体的形状像曼陀林，指板向脖子右边倾斜，弹奏时拨动琴弦。鲁特琴是文艺复兴时期特别受到喜爱的乐器。摩尔人把它从东方带到中古时期的西班牙，它在东方以不同形态已存在了三千年。
可遗憾的是，为这些乐器写的乐曲我们却知之甚少。文艺复兴时期用的记谱体系被称做“符号谱”，是一种用数字、字母和别的符号标识琴弦、指孔和琴键的方法；它不像我们现代的记谱法，标示实际的音乐符号。一国和另一国的音乐符号是不同的。个别的作曲家，常把隐秘的、个入的符号加人自己的符号谱。
第三章巴罗克时代
这一时期的乐曲，是以“调性”原则为基础创作的。
歌剧于1597年诞生于佛罗伦萨。
巴罗克（Baroque）一词来自法语，可溯源至葡萄牙语barroco，意即“变形的珍珠”，被评论家用来指十七世纪及十八世纪前期的建筑艺术、绘画艺术和音乐作品。这一时期，上承文艺复兴，下接古典主义和浪漫主义时代。
复调音乐于巴罗克音乐仍占据主导地位。巴罗克音乐的特点是华丽而富于装饰，加入很多的装饰性音符；节奏强烈、短促而律动，旋律精致。
巴赫特别欣赏维瓦尔迪的作品，把他的协奏曲大量地安排给管风琴和羽管键琴。
约翰.塞巴斯蒂安.巴赫是一个使几代音乐爱好者、学者和评论家都感到困惑的人间奇迹。来自兰巴雷内的阿尔伯特.施韦策，一位伟大的巴赫学者和管风琴师，曾这样写道：“巴赫是一个终结。他没有产生什么，可每一样事物都通向他。”
巴赫是音乐的“建设者”，宏伟宫殿和教堂的设计师。可他的音乐结构并非冰冷和缺乏生命力的，而是充满了热情和感受。
门德尔松1829年于柏林，在莱比锡首演《马太受难曲》100年后指挥了巴赫的这部作品。这次演出留下了极深的印象，掀起了一场运动，奠定了1850年（巴赫逝世百年祭）建立巴赫学会的基础。
尝试接近巴赫，就像进入一座阴暗的、中世纪的大教堂。起初，除了黑暗中的四壁什么也看不清楚，里面冰冷、空寂而昏暗。然而，只需要过一会儿，你会注意到光从彩绘的窗户透入，轮廓变得清晰，你终于意识到这座巨大的教堂中充满了光、热情和美。
约翰.塞巴斯蒂安.巴赫于1685年3月21日出生于爱森纳赫——德国图林根州的一个小镇。
他们生了十三个以上的孩子，只有六个活了下来，包括约翰.克里斯蒂安，又一个声名显赫的巴赫。
伟大的乔治.弗里德里克.韩德尔于1865年（真是一个伟大的音乐年！）生于萨克森州哈雷市；他比生于爱森纳赫的巴赫早诞生了二十六天，彼此相距不足一百英里。
1737年，韩德尔瘫痪病发作，在亚琛治疗后得以恢复。像巴赫一样，在接近生命终极时，他完全成了一个盲人。可是他工作，指挥音乐，演奏管风琴，一直到他弃世之前的第八天。他死于1759年4月14日，比巴赫在世上多活了九年。
第四章古典主义和浪漫主义
我努力把音乐减少到适合它的范围。通过情感的表现支持诗句……不中断行动，也不用多余的装饰音削弱它。 这是值得赞赏的。格鲁克“改革”了抒情戏剧，创造了真正的音乐剧。
伟大的德国哲学家伊曼纽尔.康德曾经把天才定义为“给艺术制订规则的天赋”。这个定义很适合于海顿，他开创了音乐的新领域。在两个重要方面——弦乐四重奏和交响乐——海顿差不多从一片空白的状态开始，使这些形式发展起来并臻于完善。
历史地看，海顿称做“交响乐之父”不是很确切的。他之前，交响乐已在不同时期的许多舞台上演奏。可是，如果换一种说法无疑是正确的：在他之前，交响乐的创作艺术从来没有达到如此的高度。
莫扎特是唯一可以在优美的乐曲中表现悲伤和痛苦的作曲家。他从来都不是一个乐观主义者（而海顿却是）；即使是他高兴的时候，他的音乐中仍然有一个悲伤的低音。他知道生活是由悲伤和欢乐组成。
它们被编了号，如K.515号或K.516号。K代表克谢尔，此人是第一个为莫扎特作品编号的人。
大歌剧在巴黎疯魔了戏迷们的时候，邻国德国开始了“浪漫主义时代”，这一时代源自文学领域，其音乐的代表人物有门德尔松、舒曼、肖邦、李斯特和法国的柏辽兹。
我不喜欢被每个人都理解”，舒曼曾经说过。
交响乐——瓦格纳为它创制了新的乐器，如瓦格纳大号——表现强烈的情绪和用音乐说明角色的心理。
一个伟大的作曲家比一个只用文学创作的戏剧作家，能更深刻地表现情感。
乔治.比才（1838－1875）
是他写过一部或许将永远被演下去的歌剧——《卡门》。
德彪西的音乐已经是极其现代的：过分地敏感，躁动不安，激发对理想的追求，而且总是具有吸引力。
韦伯斯特（1758－1843）将“调性”界定为“音乐中调的原则”，意即以C大调的调写一支曲子，是建立在与音阶各个音之间的固定联系之上的。一支无调性的乐曲，将是不依赖于调的。勋伯格最早创作这种音乐，虽然他反对把它称做无调性的。他把它描述为“十二音音乐”。